Siamo nell'agosto del 1791, a Vienna. Un giovane compositore di nome Wolfgang Amadeus Mozart, noto per il particolare virtuosismo delle sue composizioni, riceve un inatteso incarico che segnerà una delle più note leggende della sua vita. Un uomo incappucciato si presenta alla porta di casa Mozart, con una lettera in mano che commissiona al giovane artista la composizione di una messa funebre, insieme all'ordine di non indagare mai sull'identità del committente. In quel periodo Mozart aveva problemi di salute. Da tempo ormai la sua mente era affollata da presagi di morte. Si sentiva stanco, debole e vulnerabile. E così "la fantasia sovreccitata del giovane"  commenta Paumgartner  "vide nell'uomo incappucciato un "messaggiero dell'aldilà , venuto per commissionargli la propria messa da Requiem". Mozart comincia così a scrivere la sua ultima, grande pagina di musica, un "delirio" destinato a scuotere la base stessa della musica, che perseguita il compositore in un crescendo di orrore fino alla sua morte. Dopo aver concluso alcuni incarichi in sospeso, a metà settembre comincia a dedicarsi interamente alla stesura del Requiem. Ossessionato dall'idea della morte, o meglio, ossessionato dall'idea di una morte predestinata Mozart, in compagnia del suo allievo Sussmayer, compone l'incipit della messa,  l' "Introitus". L'inizio è semplice. L'orchestra balbetta un accompagnamento ondeggiante mentre i fiati definiscono  una melodia non troppo articolata, quasi a descrivere il lento e pacato bacio della morte che strappa l'anima all'uomo. Ad un tratto, la musica incalza e si apre al coro.  Prima le voci maschili, poi quelle femminili arpeggiano e danzano su quell'unica, immensa frase che terrorizza ed opprime il compositore: "Requiem aeternam dona eis, Domine" "Eterno riposo dona a loro, Signore". Il tema è semplice ma ricchissimo. Le parti del coro lottano per stapparsi di bocca la melodia, quasi avessero fretta di esaurirla. Ma Mozart non vuole morire, e la sua lotta emerge chiara nelle successive battute: "Et lux perpetua luceat eis" "Risplenda su di loro la Luce Perpetua". Qui la speranza, la convinzione di un' Eterna pace, di un aspettato ed infinito riposo. La conclusione è spettacolare! Un urlo, uno strillo di rabbia esplode nell'aria. Un urlo ossessivo e folle che si esaurisce lentamente in un sussurrato e melanconico "luceat eis". Si apre così il "Kyrie", uno dei pezzi più famosi della storia della musica di tutti i tempi. Il coro domina per tutta la durata del brano, quasi le voci si contendessero l'onore e il dovere di elevare ai cieli la loro preghiera: "Signore, Pietà! Cristo, Pietà! Signore, Pietà!". Tre minuti di autentica devozione, di totale abbandono a Dio.  A questo punto però, comincia le vera corsa contro la morte. Il "Dies irae" è rapido e apocalittico. Si leggono tracce di inquietudine e di paura, sferzate di violenza e di ira, frammenti intensi di agonia. Il coro corre per stare al passo con l'orchestra. L'orchestra corre per stare al passo con il coro. Non c'è nemmeno un vero e proprio finale. I violini aggrediscono letteralemente l'ultima nota ( DO minore ) soli, senza timpani o ottoni a definire la conclusione. Possiamo immaginare che questo è il brano che Mozart patisce più di tutti. La sua gara con la morte, infatti, è impari. Non riesce ad essere rapido quanto vorrebbe. Sei episodi della Sequenza erano completati nelle parti vocali ma le parti strumentali erano solamente abbozzate. Riesce a disegnare una folgorante visione di Dio nell'immenso "Rex tremendae", ma non lo conclude. Il "Lacrimosa" si interrompe all'ottava battuta; i brani "Domine Jesu Christe" e "Hostias" prospettano una vaga traccia generale della melodia; "Sanctus", "Benedictus" e "Agnus Dei" non verranno mai composti. In verità, Mozart non riuscì a mai vincere la sua corsa contro la morte ma riuscì a creare la più grande testimonianza di musica sacra della storia dell'uomo. La terrificante trasfigurazione della Morte, l'accecante potenza di Dio si fondono in un canto misterioso, arcano, che si eleva fino al cielo con soave naturalezza. In fondo la morte è la vera e unica amica dell'uomo, dirà lui stesso. Nonostante la musica ricordi per concezione e impostazione le messe funebri della tradizione (si confronti il "Kyrie" della Messa a 5 voci di Giovanni Battista Pergolesi, per fare un esempio), la creatività assoluta traccia le basi di una dimensione musicale tutta nuova, che rispecchia fino in fondo il sentimento del compositore e riflette un rapporto diretto, uno scontro audace tra Dio e l'uomo. Questa è la vera natura del Requiem. Farsi portavoce del richiamo insito in ogni creatura di fronte alla morte, di fronte all'ombra. Un canto di preghiera e di speranza che accomuna tutte le genti, le razze, le nazionalità, le lingue e i popoli verso una realtà da cui nessuno può sfuggire. Un realtà che raggiunge tutte le cose. Una realtà che ci accomuna tutti come "uomini".

Leggi:

Spicca senza dubbio il coraggio di un fiore solitario

Che spinge i suoi petali nel cemento

Anche se solo per essere calpestato nella polvere

Di cosa vale la pena parlare

                                      Se la ricerca è morte?

                                      Il significato diventa

                                     Privo di significato?

                                      Raccogliendo la voce

Per eseguire la volontà dell’anima

Per esplorare le distese remote della mia meraviglia

Io scelgo di parlare

È così semplice

Che è facile non accorgersi

Che la vita è poesia

Poesia e nient’altro?

E’ Billi Corgan che scrive.  Billy Corgan ha sempre dato sfogo alla sua vena poetica all'interno delle canzoni che scriveva,abbinandogli qualcosa di più che semplici "testi", lasciando viaggiare la sua mente senza inibizioni, mostrandoci i suoi dubbi, le sue frustrazioni e il dolore di una generazione.

Il 1° Ottobre 2004 la casa editrice Faber&Faber pubblica Blinking With Fists, una raccolta di poesie che segna l'esordio letterario di Corgan. Dal 30 settembre 2005 il libro è stato edito anche con traduzione italiana a cura di Clara Nubile per conto di Arcana Libri col nome Pugni e battiti di ciglia.

Rileggo la poesia e ripenso a un libricino ricevuto a casa qualche mese fa :Alone Like Dog di Domenico Casentino.

J.T. Leroy di Corgan parla così: “ Quando si alza il primo vento di guerra, Corgan è sull'attenti, come uno che ha il linguaggio della battaglia nel sangue. I suoi palmi sono ben serrati, ma la sua anima assorbe tutto ciò che i pugni non riescono a deviare. Mai semplice spettatore, Corgan trasforma il suo mondo in una palpabile bellezza lirica piena di quel malessere di chi non sa voltare lo sguardo altrove, permettendo a noi di spingerci più vicino possibile, prima che gli occhi si chiudano ” Mi permetto di riutilizzare queste parole riferendomi  al giovane poeta Domenico Cosentino, certa che Corgan non ne avrà male.

http://www.cosentinonico.splinder.com/   dove potete ordinare la sua raccolta di racconti brevi e poesie. Un consiglio: fate attenzione che di notte non prenda vita!

Il tema di fondo è chiaro e reiterato: "siamo soli, noi buoni, a combattere contro i cattivi e - per quante ce ne facciano - continueremo a lottare perchè siamo fatti così e non possiamo fare altrimenti", ma le musiche sempre abbastanza varie aiutano a non trovare due punti in comune all'interno del disco.
Quando una canzone di madrelingua piace? Quando c'è una buona fusione delle musiche e del ritmo delle parole con le parole stesse.
E qua si trova una fusion quasi perfetta, a livelli che forse solo i primissimi Latte e i suoi derivati e - siamo sinceri - Le Vibrazioni sono riusciti a raggiungere. Usami è un condensato di così tanti concetti chiari ed esatti da far pensare ad una traduzione. E' invece la creazione originale si un'artista italiano.

Bello.

ps. un piccolo richiamo: molto curioso (ai limiti del sospetto) l'intro di Le Fate, che sembra proprio omaggiare all'ennesima potenza Bob Dylan... e chi ha orecchie per intendere, intenda...  :-p

Io che non compravo un cd da mesi, lunedì sono andato dal mio spacciatore di note preferite. Lui mi fa "O te, come mai da queste parti? Credevo fossi diventato sordo!" "Sono venuto per comprare..." "L'ultimo di Morgan, vero?" "Si".

Dovete sapere che se c'é un disco che mi ha accompagnato dagli anni settanta in poi, questo é sicuramente "Non al denaro, né all'amore né al cielo". Toglietemi tutto ma non il mio De André preferito. Anno di grazia 1971, mi recavo dal mio spacciatore di vinile dell'epoca e tornavo a casa con quel disco non immaginando in quel momento quanto importante fosse stato quel gesto per gli anni a venire.

Ho amato tutto di quel disco. Erano splendide anche le note di copertina di Fernanda Pivano. Un disco magico, dove accanto alla poesia di Masters e di De Andrè rifulgevano come non mai nei dischi del grande di Genova anche la musica e gli arrangiamenti di un giovane Nicola Piovani ancora lungi dalle smancerie delle colonne sonore dei film di Benigni.

Logicamente, con questi trascorsi, venendo a sapere dell'operazione di Morgan, avvinto dalla curiosità non potevo esimermi dal catturare il suo disco. Non é che ami molto il signor Asia Argento, a fatica avrò ascoltato due o tre volte una sua canzone sull'assenzio, ma il solo fatto di accostarsi al capolavoro de andreiano lo ha messo al centro della mia attenzione.

Metto il cd sul piatto e ascolto. Ebbene, più lo ascolto, più amo l'originale del 1971. Morgan ha il merito di aver risollevato l'attenzione generale su "Non al denaro né all'amore né al cielo". Stop. Lo ha fatto con grande attenzione, senza stravolgerlo. Ne ha ripercorso fedelmente tutti i passaggi musicali. Si é probabilmente reso conto che se ci metteva le mani sopra per cambiare qualcosa avrebbe fatto solo disastri. Anche questo é un punto a suo favore. Resta il fatto che uno che ha amato profondamente l'originale non può essere catturato dalla sua ripetizione pedissequa. Manca la voce di Fabrizio. Morgan, con tutto il rispetto, é altra cosa. Ed il fatto che con gli strumenti tecnologici del 2005 non si riesca a stare al pari delle esecuzioni dei brani originali é un ulteriore dimostrazione della grandezza del progetto di De Andrè che seppe all'epoca creare una splendida simbiosi con l'Antologia di Spoon River di Masters.

A chi é un estimatore dell'originale, a chi lo conosce, non consiglio assolutamente l'acquisto della riedizione di Morgan. E' un doppione un po' sbiadito. A coloro che non conoscono l'originale e che ci arrivano solo attraverso l'ascolto del lavoro di Morgan dico di procurarsi anche l'originale.

In fondo il grande merito di Morgan può essere solo questo, avvicinare i più giovani ad un capolavoro assoluto.